Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση Naturhistorisches Museum

Το γλυπτό της ιστορίας της τέχνης, αυτό το μικροσκοπικό ειδώλιο, ύψους λίγο πάνω από τέσσερις ίντσες, ανακαλύφθηκε στην Αυστρία το 1908. Κανείς δεν γνωρίζει ποια λειτουργία εξυπηρετούσε, αλλά οι εικασίες κυμαίνονταν από θεά της γονιμότητας έως βοηθήματα αυνανισμού. Ορισμένοι μελετητές προτείνουν ότι μπορεί να ήταν μια αυτοπροσωπογραφία που έγινε από μια γυναίκα. Είναι το πιο διάσημο από πολλά τέτοια αντικείμενα που χρονολογούνται από την Παλιά Λίθινη Εποχή.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Wiki Media/Philip Pikart

Αυτό το πορτρέτο είναι σύμβολο της γυναικείας ομορφιάς από τότε που ανακαλύφθηκε για πρώτη φορά το 1912 στα ερείπια της Amarna, της πρωτεύουσας που χτίστηκε από τον πιο αμφιλεγόμενο Φαραώ της αρχαίας Αιγυπτιακής ιστορίας: τον Akhenaten. Η ζωή της βασίλισσας του, Νεφερτίτης, είναι κάτι μυστήριο: Πιστεύεται ότι κυβέρνησε ως Φαραώ για ένα διάστημα μετά το θάνατο του Ακενατόν - ή πιο πιθανό, ως συν-αντιβασιλέας του βασιλιά Τουταγχαμών. Κάποιοι Αιγυπτιολόγοι πιστεύουν ότι ήταν στην πραγματικότητα η μητέρα του Τουτ. Αυτή η προτομή από ασβεστόλιθο με επίστρωση γυψοσανίδας πιστεύεται ότι είναι το χειροποίητο έργο του Thutmose, του γλύπτη της αυλής του Ακενατόν.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Ανακαλύφθηκε το 1974, ο Στρατός Τερακότα είναι μια τεράστια κρύπτη από πήλινα αγάλματα θαμμένα σε τρεις τεράστιους λάκκους κοντά στον τάφο του Shi Huang, του πρώτου Αυτοκράτορα της Κίνας, ο οποίος πέθανε το 210 π.Χ. Προορισμένος να τον προστατεύσει στη μετά θάνατον ζωή, ο στρατός πιστεύεται από ορισμένες εκτιμήσεις ότι αριθμούσε περισσότερους από 8.000 στρατιώτες μαζί με 670 άλογα και 130 άρματα. Το καθένα έχει φυσικό μέγεθος, αν και το πραγματικό ύψος ποικίλλει ανάλογα με τη στρατιωτική βαθμίδα.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Wiki Media/LivioAndronico

Ίσως το πιο διάσημο γλυπτό της ρωμαϊκής αρχαιότητας,Ο Λαοκόν και οι γιοι τουανακαλύφθηκε αρχικά στη Ρώμη το 1506 και μεταφέρθηκε στο Βατικανό, όπου κατοικεί μέχρι σήμερα. Βασίζεται στον μύθο ενός Τρώα ιερέα που σκοτώθηκε μαζί με τους γιους του από θαλάσσια φίδια που έστειλε ο θεός της θάλασσας Ποσειδώνας ως αντίποινα για την προσπάθεια του Laocoön να αποκαλύψει το τέχνασμα του Δούρειου Ίππου. Αρχικά τοποθετημένο στο παλάτι του αυτοκράτορα Τίτου, αυτή η εικονιστική ομάδα σε φυσικό μέγεθος, που αποδίδεται σε μια τριάδα Ελλήνων γλυπτών από το νησί της Ρόδου, είναι ασυναγώνιστη ως μελέτη του ανθρώπινου πόνου.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Ένα από τα πιο εμβληματικά έργα σε όλη την ιστορία της τέχνης, ο Δαβίδ του Μιχαήλ Άγγελου είχε τις ρίζες του σε ένα μεγαλύτερο έργο για τη διακόσμηση των αντηρίδων του μεγάλου καθεδρικού ναού της Φλωρεντίας, του Duomo, με μια ομάδα μορφών βγαλμένες από την Παλαιά Διαθήκη. ΟΔαβίδήταν ένα και ξεκίνησε ουσιαστικά το 1464 από τον Agostino di Duccio. Κατά τη διάρκεια των επόμενων δύο ετών, ο Agostino κατάφερε να χοντροκομίσει μέρος του τεράστιου μπλοκ μαρμάρου λαξευμένου από το διάσημο λατομείο στην Carrara πριν σταματήσει το 1466. (Κανείς δεν ξέρει γιατί.) Ένας άλλος καλλιτέχνης σήκωσε το χαλαρό, αλλά και αυτός, μόνο το δούλεψε για λίγο. Το μάρμαρο παρέμεινε ανέγγιχτο για τα επόμενα 25 χρόνια, μέχρι που ο Μιχαήλ Άγγελος ξανάρχισε να το σκαλίζει το 1501. Τότε ήταν 26 ετών. Όταν τελείωσε, το David ζύγιζε έξι τόνους, που σημαίνει ότι δεν μπορούσε να ανυψωθεί στην οροφή του καθεδρικού ναού. Αντίθετα, εκτέθηκε ακριβώς έξω από την είσοδο του Palazzo Vecchio, το δημαρχείο της Φλωρεντίας. Η φιγούρα, ένα από τα πιο αγνά αποστάγματα του στυλ της Υψηλής Αναγέννησης, αγκαλιάστηκε αμέσως από το κοινό της Φλωρεντίας ως σύμβολο της αντίστασης της ίδιας της πόλης-κράτους ενάντια στις δυνάμεις που της έχουν συσταθεί. Το 1873, τοΔαβίδμεταφέρθηκε στην Accademia Gallery και ένα αντίγραφο εγκαταστάθηκε στην αρχική του θέση.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Αναγνωρισμένος ως εμπνευστής του Υψηλού Ρωμαϊκού Μπαρόκ στυλ, ο Gian Lorenzo Bernini δημιούργησε αυτό το αριστούργημα για ένα παρεκκλήσι στην εκκλησία της Santa Maria della Vittoria. Το μπαρόκ ήταν άρρηκτα συνδεδεμένο με την Αντιμεταρρύθμιση μέσω της οποίας η Καθολική Εκκλησία προσπάθησε να ανακόψει το κύμα του προτεσταντισμού που εκτινάσσονταν στην Ευρώπη του 17ου αιώνα. Έργα τέχνης όπως αυτό του Μπερνίνι ήταν μέρος του προγράμματος για να επιβεβαιώσουν το Παπικό δόγμα, το οποίο εξυπηρετήθηκε καλά εδώ από την ιδιοφυΐα του Μπερνίνι που εμποτίζει θρησκευτικές σκηνές με δραματικές αφηγήσεις.Εκστασηείναι ένα χαρακτηριστικό παράδειγμα: το θέμα του - η Αγία Τερέζα της Άβιλα, μια Ισπανίδα Καρμελίτισσα μοναχή και μύστης που έγραψε για τη συνάντησή της με έναν άγγελο - απεικονίζεται ακριβώς τη στιγμή που ο άγγελος ετοιμάζεται να βουτήξει ένα βέλος στην καρδιά της.ΕκστασηΟι ερωτικές αποχρώσεις της είναι αδιαμφισβήτητες, πιο προφανώς στην οργαστική έκφραση της καλόγριας και στο στριφτό ύφασμα που τυλίγει και τις δύο φιγούρες. Αρχιτέκτονας όσο και καλλιτέχνης, ο Μπερνίνι σχεδίασε επίσης το σκηνικό του παρεκκλησίου με μάρμαρο, στόκο και μπογιά.

Φωτογραφία: Ευγενική προσφορά The Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Ο Ιταλός καλλιτέχνης Antonio Canova (1757–1822) θεωρείται ο μεγαλύτερος γλύπτης του 18ου αιώνα. Το έργο του ήταν η επιτομή του νεοκλασικού ύφους, όπως μπορείτε να δείτε στη διασκευή του σε μάρμαρο του Έλληνα μυθικού ήρωα Περσέα. Ο Canova έκανε στην πραγματικότητα δύο εκδοχές του κομματιού: Η μία κατοικεί στο Βατικανό στη Ρώμη, ενώ η άλλη βρίσκεται στο Ευρωπαϊκό Δικαστήριο Γλυπτικής του Μητροπολιτικού Μουσείου Τέχνης.

Φωτογραφία: Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης

Ενώ ο ιμπρεσιονιστής δάσκαλος Edgar Degas είναι περισσότερο γνωστός ως ζωγράφος, εργάστηκε επίσης στη γλυπτική, παράγοντας αυτό που ήταν αναμφισβήτητα η πιο ριζοσπαστική προσπάθεια του έργου του. Degas fashionedΟ μικρός δεκατετράχρονος χορευτήςαπό κερί (από το οποίο χυτεύτηκαν τα επόμενα χάλκινα αντίγραφα μετά τον θάνατό του το 1917), αλλά το γεγονός ότι ο Ντεγκά έντυσε το ομώνυμο θέμα του με μια πραγματική στολή μπαλέτου (πλήρη με μπούστο, tutu και παντόφλες) και περούκα από αληθινά μαλλιά προκάλεσε αίσθηση ότανΧορεύτριαέκανε το ντεμπούτο του στην Έκτη Έκθεση Ιμπρεσιονιστών του 1881 στο Παρίσι. Ο Ντεγκά επέλεξε να καλύψει τα περισσότερα διακοσμητικά του με κερί για να ταιριάζει με τα υπόλοιπα χαρακτηριστικά του κοριτσιού, αλλά κράτησε το tutu, καθώς και μια κορδέλα που έδενε τα μαλλιά της, όπως ήταν, κάνοντας τη φιγούρα ένα από τα πρώτα παραδείγματα αντικειμένου που βρέθηκε. τέχνη.Χορεύτριαήταν το μόνο γλυπτό που ο Ντεγκά εξέθεσε στη ζωή του. μετά το θάνατό του, περίπου 156 ακόμη δείγματα βρέθηκαν να μαραζώνουν στο στούντιό του.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση του Μουσείου Τέχνης της Φιλαδέλφειας

Ενώ οι περισσότεροι συνδέουν τον μεγάλο Γάλλο γλύπτη Ογκίστ ΡοντένΟ Στοχαστής, αυτό το σύνολο που μνημονεύει ένα περιστατικό κατά τη διάρκεια του Εκατονταετούς Πολέμου (1337–1453) μεταξύ Βρετανίας και Γαλλίας είναι πιο σημαντικό για την ιστορία της γλυπτικής. Ανατέθηκε για ένα πάρκο στην πόλη του Καλαί (όπου η πολιορκία ενός έτους από τους Άγγλους το 1346 άρθηκε όταν έξι πρεσβύτεροι της πόλης προσφέρθηκαν για εκτέλεση με αντάλλαγμα να γλιτώσουν τον πληθυσμό),Οι Μπέργκερςαπέφευγε την τυπική μορφή των μνημείων εκείνη την εποχή: Αντί για φιγούρες απομονωμένες ή στοιβαγμένες σε μια πυραμίδα πάνω από ένα ψηλό βάθρο, ο Ροντέν συγκέντρωσε τα θέματά του σε φυσικό μέγεθος απευθείας στο έδαφος, στο ίδιο επίπεδο με τον θεατή. Αυτή η ριζοσπαστική κίνηση προς τον ρεαλισμό έσπασε με την ηρωική μεταχείριση που συνήθως αποδίδονταν σε τέτοια έργα εξωτερικού χώρου. ΜεΟι Μπέργκερς, ο Ροντέν έκανε ένα από τα πρώτα βήματα προς τη σύγχρονη γλυπτική.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Flickr/Wally Gobetz

Το 1912, ο Πικάσο δημιούργησε μια μακέτα από χαρτόνι με ένα κομμάτι που θα είχε τεράστιο αντίκτυπο στην τέχνη του 20ου αιώνα. Επίσης, στη συλλογή του MoMA, απεικόνιζε μια κιθάρα, ένα θέμα που ο Πικάσο εξερευνούσε συχνά στη ζωγραφική και το κολάζ, και από πολλές απόψεις,Κιθάραμετέφερε τεχνικές κοπής και επικόλλησης κολάζ από δύο διαστάσεις σε τρεις. Το ίδιο έκανε και για τον κυβισμό, συναρμολογώντας επίπεδα σχήματα για να δημιουργήσει μια πολύπλευρη μορφή τόσο με βάθος όσο και με όγκο. Η καινοτομία του Πικάσο ήταν να αποφύγει τη συμβατική σκάλισμα και μοντελοποίηση ενός γλυπτού από μια συμπαγή μάζα. Αντί,Κιθάραδένονταν μεταξύ τους σαν κατασκευή. Αυτή η ιδέα θα αντηχούσε από τον ρωσικό κονστρουκτιβισμό μέχρι τον μινιμαλισμό και πέρα. Δύο χρόνια μετά την κατασκευή τουΚιθάρασε χαρτόνι, ο Πικάσο δημιούργησε αυτήν την έκδοση σε κομμένο κουτί

Φωτογραφία: Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης

Από τις ριζοσπαστικές απαρχές του μέχρι την τελική του φασιστική ενσάρκωση, ο ιταλικός φουτουρισμός συγκλόνισε τον κόσμο, αλλά κανένα έργο δεν αντιπροσώπευε το απόλυτο παραλήρημα του κινήματος από αυτό το γλυπτό ενός από τα κορυφαία φώτα του: τον Umberto Boccioni. Ξεκινώντας ως ζωγράφος, ο Boccioni στράφηκε στην εργασία σε τρεις διαστάσεις μετά από ένα ταξίδι του 1913 στο Παρίσι, στο οποίο περιόδευσε στα στούντιο αρκετών avant-garde γλυπτών της περιόδου, όπως ο Constantin Brancusi, ο Raymond Duchamp-Villon και ο Alexander Archipenko. Ο Boccioni συνέθεσε τις ιδέες του σε αυτό το δυναμικό αριστούργημα, το οποίο απεικονίζει μια φιγούρα διασκελισμού σε μια «συνθετική συνέχεια» κίνησης όπως την περιέγραψε ο Boccioni. Το κομμάτι δημιουργήθηκε αρχικά σε γύψο και χυτεύτηκε στη γνώριμη χάλκινη εκδοχή του μέχρι το 1931, πολύ μετά το θάνατο του καλλιτέχνη το 1916 ως μέλος ενός ιταλικού συντάγματος πυροβολικού κατά τη διάρκεια του Α' Παγκοσμίου Πολέμου.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Γεννημένος στη Ρουμανία, ο Brancusi ήταν ένας από τους σημαντικότερους γλύπτες του μοντερνισμού των αρχών του 20ού αιώνα - και μάλιστα, μια από τις πιο σημαντικές μορφές σε ολόκληρη την ιστορία της γλυπτικής. Ένα είδος πρωτο-μινιμαλιστή, ο Brancusi πήρε μορφές από τη φύση και τις εξορθολογούσε σε αφηρημένες αναπαραστάσεις. Το ύφος του επηρεάστηκε από τη λαϊκή τέχνη της πατρίδας του, η οποία συχνά παρουσίαζε ζωηρά γεωμετρικά μοτίβα και στυλιζαρισμένα μοτίβα. Επίσης, δεν έκανε διάκριση μεταξύ αντικειμένου και βάσης, αντιμετωπίζοντάς τα, σε ορισμένες περιπτώσεις, ως εναλλάξιμα στοιχεία - μια προσέγγιση που αντιπροσώπευε μια κρίσιμη ρήξη με τις γλυπτικές παραδόσεις. Αυτό το εμβληματικό κομμάτι είναι ένα πορτρέτο του μοντέλου και εραστή του, Margit Pogány, μιας Ούγγρας φοιτήτριας τέχνης που γνώρισε στο Παρίσι το 1910. Η πρώτη επανάληψη ήταν σκαλισμένη σε μάρμαρο, ακολουθούμενη από ένα γύψινο αντίγραφο από το οποίο κατασκευάστηκε αυτό το μπρούτζο. Ο ίδιος ο γύψος εκτέθηκε στη Νέα Υόρκη στη θρυλική Έκθεση Οπλοφορίας του 1913, όπου οι κριτικοί τον χλεύασαν και τον αποδοκίμασαν. Ήταν όμως και το πιο αναπαραγόμενο κομμάτι στην παράσταση. Ο Brancusi εργάστηκε σε διάφορες εκδοχές τουMlle Poganyγια περίπου 20 χρόνια.

Φωτογραφία: Ευγενική προσφορά The Museum of Modern Art

Τροχός ποδηλάτουθεωρείται το πρώτο από τα επαναστατικά ετοιμοπαράδοτα του Duchamp. Ωστόσο, όταν ολοκλήρωσε το κομμάτι στο στούντιο του στο Παρίσι, πραγματικά δεν είχε ιδέα πώς να το ονομάσει. «Είχα τη χαρούμενη ιδέα να στερεώσω μια ρόδα ποδηλάτου σε ένα σκαμπό κουζίνας και να την παρακολουθήσω να γυρίζει», είπε αργότερα ο Ντυσάν. Χρειάστηκε ένα ταξίδι στη Νέα Υόρκη το 1915 και η έκθεση στην τεράστια παραγωγή εργοστασιακών προϊόντων της πόλης, για να βρει ο Ντυσάν τον έτοιμο όρο. Το πιο σημαντικό, άρχισε να βλέπει ότι η δημιουργία τέχνης με τον παραδοσιακό, χειροποίητο τρόπο φαινόταν άσκοπη στη Βιομηχανική Εποχή. Γιατί να ενοχλείτε, θεώρησε, όταν τα ευρέως διαθέσιμα βιομηχανικά αντικείμενα θα μπορούσαν να κάνουν τη δουλειά. Για τον Duchamp, η ιδέα πίσω από το έργο τέχνης ήταν πιο σημαντική από το πώς φτιάχτηκε. Αυτή η ιδέα -ίσως το πρώτο πραγματικό παράδειγμα Εννοιολογικής Τέχνης- θα μεταμόρφωσε ολοκληρωτικά την ιστορία της τέχνης στο μέλλον. Μοιάζει πολύ με ένα συνηθισμένο οικιακό αντικείμενο, ωστόσο, το πρωτότυποΤροχός ποδηλάτουδεν επέζησε: Αυτή η έκδοση είναι στην πραγματικότητα ένα αντίγραφο που χρονολογείται από το 1951.

Φωτογραφία: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, Νέα Υόρκη/Artists Rights Society (ARS), Νέα Υόρκη

Ένα αγαπημένο στοιχείο της μόνιμης συλλογής του Μουσείου Whitney,Calder's Circusαποστάζει την παιχνιδιάρικη ουσία που έφερε στην επιφάνεια ο Alexander Calder (1898–1976) ως καλλιτέχνης που βοήθησε στη διαμόρφωση του 20ου γλυπτού.Τσίρκο, που δημιουργήθηκε την εποχή του καλλιτέχνη στο Παρίσι, ήταν λιγότερο αφηρημένο από τα κρεμαστά «κινητά» του, αλλά με τον δικό του τρόπο ήταν εξίσου κινητικό: Κατασκευασμένο κυρίως από σύρμα και ξύλο,Τσίρκοχρησίμευσε ως το επίκεντρο για αυτοσχεδιαστικές παραστάσεις, στις οποίες ο Κάλντερ κινούνταν γύρω από διάφορες φιγούρες που απεικόνιζαν παραβιαστές, καταποντιστές ξιφών, δαμαστές λιονταριών, κ.λπ., σαν θεόμορφος ringmaster.

Φωτογραφία: Ευγενική προσφορά The J. Paul Getty Museum

Ως ζωγράφος και σχεδιαστής ταπισερί καθώς και ως γλύπτης, ο Γάλλος καλλιτέχνης Aristide Maillol (1861–1944) θα μπορούσε να περιγραφεί καλύτερα ως ένας σύγχρονος νεοκλασικιστής που έβαλε έναν εξορθολογισμό του 20ου αιώνα στα παραδοσιακά ελληνορωμαϊκά αγάλματα. Θα μπορούσε επίσης να περιγραφεί ως ριζοσπαστικός συντηρητικός, αν και θα πρέπει να θυμόμαστε ότι ακόμη και οι σύγχρονοι της πρωτοπορίας όπως ο Πικάσο παρήγαγαν έργα σε μια προσαρμογή του νεοκλασικού ύφους μετά τον Α' Παγκόσμιο Πόλεμο. Το θέμα του Maillol ήταν το γυναικείο γυμνό, και στοΦωλιά, έχει δημιουργήσει μια αντίθεση μεταξύ της υλικής μάζας του θέματός του και του τρόπου με τον οποίο αυτή φαίνεται να επιπλέει στο διάστημα—εξισορροπώντας, σαν να λέγαμε, την βαρετή σωματικότητα με την παροδική παρουσία.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Flickr/C-Monster

Μια Γιαπωνέζα καλλιτέχνιδα που εργάζεται σε πολλά μέσα, η Kusama ήρθε στη Νέα Υόρκη το 1957 επιστρέφοντας στην Ιαπωνία το 1972. Στο μεταξύ, καθιερώθηκε ως μια σημαντική προσωπικότητα της σκηνής του κέντρου της πόλης, μια της οποίας η τέχνη άγγιξε πολλές βάσεις, όπως η Ποπ Αρτ, ο Μινιμαλισμός και Performance Art. Ως γυναίκα καλλιτέχνης που συχνά αναφερόταν στη γυναικεία σεξουαλικότητα, ήταν επίσης πρόδρομος της Φεμινιστικής Τέχνης. Το έργο της Κουσάμα χαρακτηρίζεται συχνά από παραισθησιογόνα μοτίβα και επαναλήψεις μορφών, μια ροπή που έχει τις ρίζες της σε ορισμένες ψυχολογικές καταστάσεις - ψευδαισθήσεις, ΙΨΔ - υπέφερε από την παιδική της ηλικία. Όλες αυτές οι πτυχές της τέχνης και της ζωής του Kusuma αντικατοπτρίζονται σε αυτό το έργο, στο οποίο μια συνηθισμένη, ντυμένη πολυθρόνα κατακλύζεται ανησυχητικά από ένα ξέσπασμα φαλλικών προεξοχών που θυμίζουν πανώλη από ραμμένο γεμιστό ύφασμα.

Φωτογραφία: Whitney Museum of American Art, Νέα Υόρκη, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Νέα Υόρκη

Γνωστή απλά με το μικρό της όνομα, η Marisol Escobar (1930–2016) γεννήθηκε στο Παρίσι από γονείς Βενεζουέλας. Ως καλλιτέχνης, συνδέθηκε με την Pop Art και αργότερα με την Op Art, αν και στυλιστικά, δεν ανήκε σε καμία ομάδα. Αντίθετα, δημιούργησε εικονιστικά ταμπλό που προορίζονταν ως φεμινιστικές σάτιρες των ρόλων των φύλων, της διασημότητας και του πλούτου. ΣεΓυναίκες και Σκύλοςαναλαμβάνει την αντικειμενοποίηση των γυναικών και τον τρόπο που χρησιμοποιούνται τα πρότυπα θηλυκότητας που επιβάλλονται από τους άνδρες για να τις αναγκάσουν να συμμορφωθούν.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Flickr/Rocor

Το Brillo Box είναι ίσως το πιο γνωστό από μια σειρά γλυπτικών έργων που δημιούργησε ο Warhol στα μέσα της δεκαετίας του '60, τα οποία ουσιαστικά οδήγησαν την έρευνά του για την ποπ κουλτούρα σε τρεις διαστάσεις. Πιστός στο όνομα που είχε δώσει ο Γουόρχολ στο στούντιό του - το Factory - ο καλλιτέχνης προσέλαβε ξυλουργούς για να δουλέψουν ένα είδος γραμμής συναρμολόγησης, καρφώνοντας ξύλινα κουτιά σε σχήμα χαρτοκιβωτίων για διάφορα προϊόντα, όπως Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes και Campbell's Soup, όπως καλά τα σαπουνάκια Brillo. Στη συνέχεια έβαψε κάθε κουτί με ένα χρώμα που ταιριάζει με το πρωτότυπο (λευκό στην περίπτωση του Brillo) πριν προσθέσει το όνομα και το λογότυπο του προϊόντος σε μεταξοτυπία. Δημιουργημένα σε πολλαπλάσια, τα κουτιά εμφανίζονταν συχνά σε μεγάλες στοίβες, μετατρέποντας ουσιαστικά όποια γκαλερί βρίσκονταν σε ένα υψηλής πολιτισμικής φαξ μιας αποθήκης. Το σχήμα τους και η σειριακή παραγωγή τους ήταν ίσως ένα νεύμα —ή παρωδία του— του τότε εκκολαπτόμενου μινιμαλιστικού στυλ. Αλλά το πραγματικό νόημα τουΚουτί Brilloείναι πώς η στενή προσέγγισή του με το πραγματικό ανατρέπει τις καλλιτεχνικές συμβάσεις, υπονοώντας ότι δεν υπάρχει πραγματική διαφορά μεταξύ των βιομηχανικών προϊόντων και της εργασίας από το στούντιο ενός καλλιτέχνη.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Flickr/Esther Westerveld

Το όνομα του Ντόναλντ Τζαντ είναι συνώνυμο με τη Minimal Art, το κίνημα των μέσων της δεκαετίας του '60 που μετέτρεψε την ορθολογιστική τάση του μοντερνισμού στα απολύτως απαραίτητα. Για τον Judd, η γλυπτική σήμαινε την άρθρωση της συγκεκριμένης παρουσίας του έργου στο χώρο. Αυτή η ιδέα περιγράφηκε με τον όρο «συγκεκριμένο αντικείμενο» και ενώ άλλοι μινιμαλιστές την υιοθέτησαν, ο Τζαντ αναμφισβήτητα έδωσε στην ιδέα την πιο αγνή έκφρασή της υιοθετώντας το πλαίσιο ως τη μορφή υπογραφής του. Όπως και ο Warhol, τα παρήγαγε ως επαναλαμβανόμενες μονάδες, χρησιμοποιώντας υλικά και μεθόδους δανεισμένες από τη βιομηχανική κατασκευή. Σε αντίθεση με τα κουτάκια σούπας του Warhol και τη Marilyns, η τέχνη του Judd δεν αναφερόταν σε τίποτα έξω από τον εαυτό της. Οι «στίβες» του είναι από τα πιο γνωστά κομμάτια του. Το καθένα αποτελείται από μια ομάδα πανομοιότυπων ρηχών κιβωτίων από γαλβανισμένη λαμαρίνα, που προεξέχουν από τον τοίχο για να δημιουργήσουν μια στήλη από ομοιόμορφα κατανεμημένα στοιχεία. Αλλά ο Judd, ο οποίος ξεκίνησε ως ζωγράφος, ενδιαφερόταν τόσο για το χρώμα και την υφή όσο και για τη φόρμα, όπως φαίνεται εδώ από την πράσινη λάκα για το αυτόματο σώμα που εφαρμόζεται στην μπροστινή όψη κάθε κουτιού. Η αλληλεπίδραση χρώματος και υλικού του Judd δίνειΧωρίς τίτλο (Στοίβα)μια επιτακτική κομψότητα που απαλύνει τον αφηρημένο απολυταρχισμό του.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Flickr/Rocor

Όπως ο Benglis, η Έσση ήταν μια γυναίκα καλλιτέχνης που φιλτράρει τον μεταμινιμαλισμό μέσα από ένα αναμφισβήτητα φεμινιστικό πρίσμα. Μια Εβραία που έφυγε από τη ναζιστική Γερμανία ως παιδί, εξερεύνησε οργανικές μορφές, δημιουργώντας κομμάτια από βιομηχανικό υαλοβάμβακα, λατέξ και σχοινί που προκαλούσαν δέρμα ή σάρκα, γεννητικά όργανα και άλλα μέρη του σώματος. Δεδομένου του ιστορικού της, είναι δελεαστικό να βρεις ένα κρυφό ρεύμα τραύματος ή άγχους σε έργα όπως αυτό.

Φωτογραφία: Ευγενική προσφορά The Museum of Modern Art

Ακολουθώντας τον Judd και τον Flavin, μια ομάδα καλλιτεχνών αποχώρησε από την αισθητική του μινιμαλισμού των καθαρών γραμμών. Ως μέρος αυτής της μεταμινιμαλιστικής γενιάς, ο Richard Serra έθεσε την έννοια του συγκεκριμένου αντικειμένου στα στεροειδή, διευρύνοντας κατά πολύ την κλίμακα και το βάρος του και κάνοντας τους νόμους της βαρύτητας αναπόσπαστο στην ιδέα. Δημιούργησε επισφαλείς πράξεις εξισορρόπησης από χαλύβδινες ή μολύβδινες πλάκες και σωλήνες βάρους σε τόνους, που είχαν ως αποτέλεσμα να μεταδώσουν μια αίσθηση απειλής στο έργο. (Σε δύο περιπτώσεις, οι εξέδρες που εγκαθιστούσαν κομμάτια Serra σκοτώθηκαν ή ακρωτηριάστηκαν όταν το έργο κατέρρευσε κατά λάθος.) Τις τελευταίες δεκαετίες, το έργο του Serra υιοθέτησε μια καμπυλόγραμμη βελτίωση που το έκανε εξαιρετικά δημοφιλές, αλλά στην αρχή λειτουργεί όπως το One Ton Prop (House of Cards), το οποίο διαθέτει τέσσερις μολύβδινες πλάκες ακουμπισμένες μεταξύ τους, κοινοποίησε τις ανησυχίες του με βάναυση ευθύτητα.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Ακολουθώντας τη γενική αντιπολιτισμική τάση κατά τη διάρκεια των δεκαετιών του 1960 και του 1970, οι καλλιτέχνες άρχισαν να επαναστατούν ενάντια στην εμπορικότητα του κόσμου των γκαλερί, αναπτύσσοντας ριζικά νέες μορφές τέχνης όπως τα χωματουργικά έργα. Γνωστό και ως land art, η κορυφαία φιγούρα του είδους ήταν ο Robert Smithson (1938-1973), ο οποίος, μαζί με καλλιτέχνες όπως ο Michael Heizer, ο Walter De Maria και ο James Turrel, τολμούσαν στις ερήμους των Δυτικών Ηνωμένων Πολιτειών για να δημιουργήσουν μνημειώδη έργα που ενεργούσαν σε συνεννόηση με το περιβάλλον τους. Αυτή η συγκεκριμένη τοποθεσία, όπως ονομάστηκε, συχνά χρησιμοποιούσε υλικά που λαμβάνονται απευθείας από το τοπίο. Τέτοια είναι η περίπτωση του SmithsonΣπειροειδής προβλήτα, που εκβάλλει στη Μεγάλη Αλμυρή Λίμνη της Γιούτα από το Rozel Point στη βορειοανατολική ακτή της λίμνης. Κατασκευασμένο από λάσπη, κρυστάλλους αλατιού και βασάλτη που εξάγεται επί τόπου,Σπειροειδής προβλήτα μέτρα1.500 επί 15 πόδια. Βυθίστηκε κάτω από τη λίμνη για δεκαετίες μέχρι που μια ξηρασία στις αρχές της δεκαετίας του 2000 την έφερε ξανά στην επιφάνεια. Το 2017,Σπειροειδής προβλήταονομάστηκε το επίσημο έργο τέχνης της Γιούτα.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Το έργο υπογραφής του γεννημένου στη Γαλλία καλλιτέχνη,Αράχνηδημιουργήθηκε στα μέσα της δεκαετίας του 1990 όταν η Bourgeois (1911-2010) ήταν ήδη στα ογδόντα της. Υπάρχει σε πολλές εκδόσεις διαφορετικής κλίμακας, συμπεριλαμβανομένων ορισμένων που είναι μνημειώδεις.Αράχνηεννοείται ως φόρος τιμής στη μητέρα του καλλιτέχνη, μια επισκευή ταπισερί (εξ ου και η νύξη για την τάση του αραχνοειδούς να περιστρέφει ιστούς).

Shutterstock

Νικητής του διάσημου βραβείου Turner το 1994, ο Antony Gormley είναι ένας από τους πιο διάσημους σύγχρονους γλύπτες στο Ηνωμένο Βασίλειο, αλλά είναι επίσης γνωστός σε όλο τον κόσμο για τη μοναδική του άποψη στην εικονιστική τέχνη, στην οποία βασίζονται μεγάλες παραλλαγές σε κλίμακα και στυλ. ως επί το πλείστον, στο ίδιο πρότυπο: Ένα καστ του ίδιου του σώματος του καλλιτέχνη. Αυτό ισχύει για αυτό το τεράστιο φτερωτό μνημείο που βρίσκεται κοντά στην πόλη Gateshead στη βορειοανατολική Αγγλία. Βρίσκεται κατά μήκος μιας μεγάλης εθνικής οδού,Αγγελοςφτάνει στα 66 πόδια σε ύψος και εκτείνεται 177 πόδια σε πλάτος από άκρη σε άκρη φτερού. Σύμφωνα με τον Gormley, το έργο εννοείται ως ένα είδος συμβολικού δείκτη ανάμεσα στο βιομηχανικό παρελθόν της Βρετανίας (το γλυπτό βρίσκεται στη χώρα του άνθρακα της Αγγλίας, την καρδιά της Βιομηχανικής Επανάστασης) και το μεταβιομηχανικό μέλλον της.

Ευγενική παραχώρηση CC/Flickr/Richard Howe

Ονομάζεται στοργικά «The Bean» από τους Σικάγο για την λυγισμένη ελλειψοειδή μορφή του,Cloud Gate, το επίκεντρο δημόσιας τέχνης του Anish Kapoor για το Πάρκο της Χιλιετίας της Δεύτερης Πόλης, είναι τόσο έργο τέχνης όσο και αρχιτεκτονική, παρέχοντας μια αψίδα έτοιμη για το Instagram για τα κυριακάτικα καροτσάκια και άλλους επισκέπτες του πάρκου. Κατασκευασμένο από χάλυβα καθρέφτη,Cloud GateΗ διασκεδαστική ανακλαστικότητα και η μεγάλη κλίμακα του το καθιστούν το πιο γνωστό κομμάτι του Kapoor.

Ευγενική παραχώρηση του καλλιτέχνη και της Greene Naftali, Νέα Υόρκη

Το έργο της Rachel Harrison συνδυάζει έναν τέλειο φορμαλισμό με την ικανότητα να εμποτίζει φαινομενικά αφηρημένα στοιχεία με πολλαπλά νοήματα, συμπεριλαμβανομένων πολιτικών. Αμφισβητεί έντονα τη μνημειακότητα και το αντρικό προνόμιο που τη συνοδεύει. Η Χάρισον δημιουργεί το μεγαλύτερο μέρος των γλυπτών της στοιβάζοντας και τακτοποιώντας μπλοκ ή πλάκες από φελιζόλ, προτού τις καλύψει με ένα συνδυασμό τσιμέντου και ζωγραφική άνθηση. Το κεράσι στην κορυφή είναι κάποιο είδος αντικειμένου που βρέθηκε, είτε μόνο του είτε σε συνδυασμό με άλλα. Χαρακτηριστικό παράδειγμα είναι αυτό το μανεκέν πάνω σε μια επιμήκη, πιτσιλισμένη φόρμα. Φορώντας μια κάπα και μια μάσκα του Αβραάμ Λίνκολν που βλέπει προς τα πίσω, το έργο στέλνει τη θεωρία του μεγάλου ανθρώπου της ιστορίας με την υπενθύμιση του κατακτητή του Αρχαίου Κόσμου που στέκεται ψηλά σε έναν βράχο στο χρώμα του κλόουν.